Versatile / 2026
noté 7/10 par Jeff

La French Touch, Gilb’R ne veut pas vraiment en entendre parler. Ne veut pas spécialement y être associé. N’en revendique pas forcément une part de l’héritage. Sauf que sur ce dernier point, on se doit de lui donner tort. Si la French Touch ne s’est pas bâtie sur les fondations de son label Versatile, ce dernier a fonctionné comme une sorte de miroir inversé. Avec Gilb’r en chef de meute, et une équipe de d’underdogs composée de gens comme Joakim, I:Cube ou Etienne Jaumet, Versatile a proposé un contre-narratif inoubliable, loin des couvertures de Technik’art mais au plus près des cœurs d’amateurs de musique électronique jamais contre une improbable cabriole.

30 années nous séparent des premiers releases du label, et cet anniversaire permet déjà de corriger une erreur monumentale contenue dans ce texte : non il ne faut pas parler de Versatile au passé. Alors c’est vrai que ces dix dernières années, le label s’était fait plutôt discret, et rien ne permet d’affirmer que les dix qui s’annoncent seront celles de la renaissance. Ce qu’on peut par contre dire, c’est qu’au moment de souffler la 30ème bougie, Gilb’R a su y mettre les formes, avec un album à tous points de vue inattendu.

Inattendu en ce sens qu’on avait franchement autre chose en tête quand L’école de la nuit est sorti mi-juin – les 3 c : congés, canicule, coupe du monde. Inattendu ensuite par son contenu : le disque n’est pas un album électronique comme on pouvait le concevoir venant de l’homme derrière ce genre de délices deep as fuck. Non content de multiplier les influences, Gilb’r prend surtout un soin tout particulier à piocher dans des choses qui l’éloignent du dancefloor – question d’âge peut-être, volonté de se challenger certainement, ce qui est assez logique de la part d’un type qui n’a pas fait de la nostalgie un fond de commerce.

Court mais varié, curieux mais sans jamais donner l’impression d’un fourre-tout mal maîtrisé, on aurait envie de dire qu'on tient ici le disque de la maturité, si Gilb’R n’en faisait pas déjà preuve à la fin des 90's. Façonné à parts égales par un amour du songwriting, des collaborations bien senties et des influences à aller chercher du côté de la synth-pop, du rock ou du jazz, L'école de la nuit oppose aux tumultes d’un monde par trop complexe de vignettes sans autre prétention que de nous rappeler que la vie est peut-être avant toute chose une affaire de plaisirs simples et qu’au final, tout ira bien. On a le droit de ne pas croire Gilb’R mais pendant ces 35 minutes passées en sa compagnie, on lui donnerait franchement le bon dieu sans confession.  

Dying Victims Productions / 2026
noté 7/10 par Simon

Appelez ça de l’ancient black metal, du blackened thrash heavy ou du epic speed, ça reviendra au même : Witching Hour est revenu d’entre les morts sept ans après leur dernier album pour mettre une nouvelle branlée à tout le monde.

La formule demeure inchangée et personne ne s’en plaindra : une voix incantatoire remplie d’émotions (et le mot est faible) dans sa complainte, des lignes de basse ronflantes et un riffing tonitruant, heavy et urbain dans toutes les positions du rapide au très rapide. Trois éléments qui ne fonctionnerait jamais aussi bien séparément mais qui ont toujours donné aux Allemands un langage musical extrêmement fort. Et l’essayer, c’est l’adopter, dès les premières minutes du titre éponyme qui tient lieu de démonstration sanglante : du heavy chatoyant et de de l’héritage punk satanique en masse pour un des meilleurs titres de ce premier semestre. 

Sauf que, il y a toujours un mais, Witching Hour avait de quoi hésiter entre ce qui fait le cœur de ses deux ADN. Entre l'immédiateté de son contenu punk et le lyrisme de ses inspirations épiques et heavy, les Allemands ont préféré le trajet long. Et cela ne convient malheureusement pas toujours à la proposition, la plupart des titres se trouvant à tirer la chose en longueur à de nombreux endroits. Ce n’est pas toujours criant à première vue, mais la qualité du tout emportant un nombre insensé d’écoutes compulsives, cela finit par s’entendre que ce troisième album aurait mérité un petit coup de tondeuse (rien n’à voir avec leurs origines) ici et là. L’album se sauve bien avec un contenu très cohérent et globalement assez riche, mais on s’attriste toujours d’avoir l’impression que le groupe a quitté le studio en laissant tourner la machine à riffs pour se prendre un petit café au bar du coin.

On se demande parfois ce qu’ils foutent à lire le Bild en terrasse et à la seconde où la voix revient, c’est de nouveau l’amour fou, le match parfait dans toute cette mécanique. Jusqu’à la prochaine désertion. Ce n’est jamais long - sauf sur “...And Then Came The Flames” qui expérimentent toutes les longueurs sur ses onze minutes - et on ne peut faire autre chose que de les pardonner tant Descending… marche bien sur la l’ensemble de l’expérience. Cela ne nous empêchera jamais de penser avec une certitude basée sur rien qu’avec 25% de matière grasse en moins, cet album aurait encore plus brillé par sa folie punk. L’équilibre est fragile et le tout se joue à pas grand chose, mais du très bon disque à l’album d’une carrière, ce genre détail fait la différence. 

On ne s'en cache pas vraiment au sein de l'équipe : Ceremony fait partie de ces groupes qu'on suit avec une fidélité presque religieuse depuis des années, et chaque nouvelle sortie est un petit événement.

Le combo punk californien dévoile désormais "Dark Summer", troisième single extrait de leur septième album Tell Me Your Dream, attendu le 7 août chez Relapse. Après "Other Hells" et "Death Destruction Mayhem" sur lesquels on retrouvait le visage plus violent du groupe de Rohnert Park, ce nouveau titre marque à nouveau une bascule indie punk plus sombre et moody. 

Et ce n'est pas un hasard puisque l'album, dix titres, retrouve à la production John Reis (Rocket From The Crypt, Drive Like Jehu, Hot Snakes), déjà aux commandes de The L-Shaped Man en 2015. Après un passage éclair en Europe pour le Hellfest, Ceremony repart en tournée nord-américaine dès septembre en compagnie d'un line-up bien fifou et varié sur lequel on retrouve notamment Poison Ruin, World Peace, Iron Lung, Spelling ou Dry Socket.

King Gizzard & The Lizard Wizard nous a habitués à pondre des albums comme d'autres allument la machine à café au réveil - dans une forme de réflexe pavlovien. Mais pour la première fois de la carrière des Australiens, tout ne s'est pas passé comme prévu. Inscrit au planning du groupe depuis longtemps, la sortie de ce nouvel album intitulé Alien Metal a été à plusieurs reprises repoussée, face à son incapacité à dompter une nouvelle bestiole : la musique électronique, et ses courants hardcore, jungle et techno. Est-ce une bonne idée? Franchement, "Level 5" désarçonne tellement qu'on attendra de pouvoir digérer la bestiole dans sa totalité avant de se prononcer. Une chose est sûre : King Gizzard & The Lizard Wizard aime prendre des risques, et on préfèrera toujours un disque raté de leur part qu'une copie du précédent - même si en fin de compte, on les en sait incapables, et c'est pour cette raison que c'est un des groupes les plus précieux de la planète.

Bref, voici "Level 5", extrait d'un album qui sortira dans le courant du mois d'août.

Les patrons de Mastodon ont annoncé la sortie d'un nouvel album intitulé Marrow Deep, prévue le 28 août sur Loma Vista Recordings. En amont de la sortie, le groupe a dévoilé un premier extrait, « Snakes for Dinner », en featuring avec Josh Homme, le chanteur de Queens of the Stone Age. Alors forcément, vu le casting de ce nouveau titre, on se balade sur des terres sludge et stoner sur lesquelles personne ne se met vraiment en danger et peut jouer à son meilleur niveau. Tout cela nous donne un titre qui ressemble à ce que nous a livré le groupe sur ces derniers albums : de la maîtrise et de l'efficacité. 

Marrow Deep est le neuvième album de Mastodon, et le premier dans sa nouvelle configuration: les membres fondateurs Brann Dailor, Troy Sanders et Bill Kelliher, ainsi que le nouveau guitariste Nick Johnston. Le groupe a coproduit l'album avec Patrik Berger et Kurt Ballou.

PIAS / 2026
noté 8/10 par Guigui

L’année 2022 aura été celle de la reprise après deux années de crise sanitaire. Une drôle de période qui avait forcé les artistes à se renouveler et à se débrouiller pour enregistrer seul.e.s dans des home studios parfois improvisés. On n’ira pas jusqu’à dire que le premier effort de The Haunted Youth, Dawn Of The Freak, a été intégralement façonné de la sorte mais il portait clairement les stigmates d’une approche bedroom. Avec des plages atmosphériques, des guitares gavées de reverb et des textes qui sentaient bon la défaite, ce premier disque était sombre mais faisait un bien fou, comme on vous le disait à l’époque. Joachim Liebens s'étant fait extrêmement discret dans l'intervalle, on ne savait pas trop à quoi s'attendre sur ce disque censé confirmer l'immense potentiel d'un projet à forte valeur émotionnelle ajoutée. Alors autant le dire tout de suite, Boys Cry Too (oui c'est un clin d'œil à The Cure) incarne à la perfection l'idée que l'on se fait souvent de ce que doit être ce que les Américains appellent le "sophomore album" : quelques évolutions certes, mais une identité qui reste intacte. 

Malgré les écoutes répétées, pour ne pas dire compulsives, du disque, on ne sait toujours pas trop dans quelle case foutre The Haunted Youth malgré des points de référence qui peuvent sembler évidents (grosso modo tout ce que le post-punk a enfanté comme projets déprimants). Il faut dire que le génie de Joachim Liebens réside dans cette capacité à prendre une base mélodique qui pue la défaite et laisser la section rythmique lui mettre une déculottée qu'on n'avait pas vu venir. Et à chaque fois, tout est au bon endroit, et toutes les bonnes décisions sont prises au meilleur moment - avec un art du climax, on le précisera quand même, à l'image de « in my head » ou « falling to pieces ». Dans ce disque où la colère, la tristesse et le désespoir se livrent une bataille de tous les instants, Joachim Liebens se présente en grand architecte du chaos émotionnel, avec cette voix dont la douceur et la fragilité cachent parfois mal les ambitions - parfois légitimes, parfois démesurées - d'un projet qui avait eu droit à quelques éloges à l'international du temps de Dawn of the Freak, et qui mériterait amplement son "decent 8" ou son "7.3" chez Pitchfork s'il sortait de l'underground étasunien. Mais quand on sait qu'un groupe flamand a déjà toutes les peines du monde a trouver son public en dehors de sa zone d'influence linguistique, on imagine le petit exploit que représente une chronique dans Libé ou le NME. En attendant que le monde note l'existence de Boys Cry Too, on espère déjà que l'Europe réservera à ce disque un accueil à la hauteur de ses ambitions et de son efficacité.

Sorti en 2020, l'EP LULU n'était pas la première collaboration entre The Alchemist et Conway The Machine. Par contre c'était la première fois qu'Alan Maman produisait intégralement un disque du rappeur de l'écurie Griselda. Sorti fin mars 2020, c'est un des ces projets qui a accompagné le confinement de tous les fans de rap, et pour toutes les bonnes raisons : des boucles aux petits oignons, un charisme de zinzin et une complémentarité digne d'une association Mbappé / Olise. Six ans plus tard, les deux hommes s'apprêtent à donner une suite à LULU, comme on l'a compris en scrollant sur IG. On nous annonce une sortie de LULU 2 à la mi-septembre, sans que rien n'ait été vraiment confirmé par l'un ou par l'autre. Mais on a envie d'y croire.

Pour patienter on vous ressort ce titre sorti il y a quelques semaines à peine, et que l'on peut entendre sur le dernier projet en date de l'Alchimiste, Liquid Form.

ScHoolboy Q est clairement un des plus gros talent du rap US de ces 20 dernières années. C'est aussi un rappeur dont la gestion de carrière aura été légèrement scabreuse, ce qui l'aura empêché de péter le plafond de verre qui lui aurait permis de rejoindre le cercle fermé des vrais poids lourd du double H cainri.

Crash Talk et Blue Lips étant ce qu'il convient d'appeler des albums mineurs au regard de son talent immense, on attend du gars de chez TDE un long format de qualité depuis le Blank Face LP de 2016. Intitulé Thank Que, ce nouvel album de ScHoolboy Q est en cours de confection, comme il l'a révélé sur Instagram. Et les délais de fabrication dans le rap américain pouvant être très serrés, mais aussi très allongés, difficile de dire quand on pourra se faire une idée sur l'état de forme réel du gars de South Central.

On serait bien emmerdés de devoir classer Boris dans un registre quelconque, tant la triplette semble avoir testé tous les genres musicaux imaginables, que ce soit le sludge, la musique sérielle, le harsh noise, le post rock, la dream pop et même l'ambient et le drone. En trois décennies d'activité, il y a eu de très bons albums, d'autres un peu moins, mais il y a surtout eu Pink, petit diamant brut dont il est difficile d'oublier l'ouverture (le très beau "Farewell") ou sa fermeture ("Just Abandoned Myself" et son final apocalyptique) et qui concentre en son cœur tout ce qu'on aime dans le groupe japonais : l'énergie, le chaos, et quelques beaux moments d'apesanteur.

Et justement, c'est cet album qui fête ses vingt ans cette année, et pour l'occasion le groupe japonais s'offre une tournée à travers l'Europe et la Grande-Bretagne. Le "Do you remember the Pink days ?" Tour s'étalera sur octobre et novembre, sur  une trentaine de dates parmi lesquelles des dates au Desertfest de Liège le 18 octobre, au Petit Bain de Paris le 20 octobre, au Ferrailleur de Nantes le 21 octobre, et au Rex de Toulouse le 25 octobre. Le groupe sera accompagné du projet doomgaze  Planning For Burial pour assurer ses premières parties.

L'ensemble des dates est consultable sur le site officiel du groupe, et autant vous dire qu'on a déjà très, très hâte de les croiser cet automne - tant qu'à faire, avec de solides bouchons dans chaque oreille.

Une minuscule lueur d’espoir pouvait toujours poindre à l’horizon mais en février dernier, Mike Patton semblait enfoncer le dernier clou dans le cercueil de Faith No More en annonçant que c’était terminé. Il est vrai qu’avec un dernier concert qui remonte à 2016 et des annonces du genre « Ouais, peut-être, mais en fait non », une annonce officielle n’était même plus nécessaire, on s’était fait une raison.

Mais depuis le mois dernier, on se prend à penser que le père Patton s’était peut-être levé du mauvais pied en février puisque son compère, le bassiste Bill Gould, a débarqué comme si de rien n’était en disant que FNM tournerait à nouveau en 2027. Il précisait néanmoins que comme la musique du groupe était relativement physique, il devrait y avoir des aménagements.

On se permettra quand même de dire à ces deux farceurs que s'il s'agit de blagues, elles sont l'une comme l'autre de très mauvais goût.