On a pris du retard dans la rédaction de Wake Up The Dead, notre dossier consacré aux choses à retenir dans l'actualité des musiques violentes. Du coup, ça vous fait 13 chroniques pour le prix d'une, et un bel éventail de genres abordés, du thrash au black metal en passant par le beatdown ou le trapcore. Plaisir d'offrir, joie de s'en prendre plein la tronche.

Imperial Triumphant

Alphaville

Albin

Au rayon des bizarreries, Imperial Triumphant poursuit avec Alphaville un travail d’hybridation des genres déjà poussé très, très, loin sur le précédent album Vile Luxury. À l’abri derrière ses masques baroques, le trio new yorkais s’est mis en tête de fournir une relecture free jazz des codes du death et du black metal. D’ailleurs, les membres ne cachent plus être à la base des musiciens de la scène jazz, qui ont décidé de s’aventurer sur les terres des guitares saturées, chants étouffés et déferlements de doubles pédales. Assez déroutant à ses débuts, le concept s’est désormais bien installé et s’adresse à un public prêt à se faire virer de sa zone de confort à coups de pieds au cul. Sur Alphaville, le groupe déploie tout un attirail qui ferait hurler les puristes chevelus : accords tordus, changements de rythmes loufoques, lignes de basse alambiquées, tout y passe, même les chœurs, et en blast beats s’il vous plait. Imaginez un trio composé d’Art Blakey à la batterie, Charles Mingus à la basse et John Scofield à la guitare, qui s’attaquerait à rejouer les partitions de Blut Aus Nord et vous serez encore loin du compte. Voilà un disque qui n’a pas fini de décoiffer. Dommage que l’exercice soit tellement dense qu’il se révèle finalement assez indigeste sur la durée d’un album complet - oui, il faut des nerfs sacrément solides pour se l’envoyer d’une traite.

Pallbearer

Forgotten Days

Jeff

La dernière fois que notre route à croisé celle de Pallbearer, c’était au Dour Festival 2018. Cette année-là, le groupe venait y défendre Heartless, sorti l’année précédente sur Profound Lore. Si le groupe n’est pas l’équivalent d’un Sleep, d’un Electric Wizard ou d’un YOB dans les sphères doom, il n’en reste pas moins une valeur sûre. Ce statut, le public de Dour semblait l’ignorer, vu que nous étions quelques dizaines (dans un chapiteau pouvant accueillir 8.500 âmes quand même) à profiter d’une prestation carrée et professionnelle comme les groupes américains savent en produire. Deux ans plus tard, si le groupe a certainement déjà oublié ce concert « pour du beurre » (heureusement, le cachet, lui, ne l’était pas), on se réjouit qu’il poursuive son irrésistible ascension avec un nouveau disque pour Nuclear Blast. Généralement, quand le mastodonte allemand signe un groupe aussi bien établi, ce n’est pas pour qu’il joue les seconds rôles – on l’a encore vu plus tôt cette année avec le premier album des Finlandais de Oranssi Pazuzu pour eux.

Conscients des attentes du label, et du public doom, Pallbearer se montre à la hauteur du défi : tout en restant fidèle aux grands préceptes du genre (Sabbath Godly Sabbath!), le combo de l'Arkansas fait évoluer sa musique, notamment en raccourcissant les formats. Pour la première fois, les morceaux de moins de 5 minutes sont la règle et non l’exception, et ils se structurent tous autour d’un impressionnant monolithe de 12 minutes placé au beau milieu du disque, un « Silver Wings » tout en pesanteur qui fera le bonheur des fans historiques. Alors oui, ces derniers y trouveront peut-être moins leur compte sur Forgotten Days, mais il est évident que cette nouvelle manière de procéder envoie le groupe vers des terrains beaucoup plus mélodiques et dynamiques, et lui permet par la même occasion de toucher un plus vaste public, celui-là même qui fait confiance à Nuclear Blast pour produire des produits de qualité, parfaitement calibrés. Et sur ce point, il n’y a pas à tortiller du cul, le contrat est rempli. Doom shake shake shake the room.

Mastodon

Medium Rarities

Jeff

Au rayon des choses à l’utilité discutable, l’album de raretés se classe juste entre les chroniques de Felix Radu sur La Première et la carrière des Pixies depuis leur reformation. Pourtant, si le concept continue d’exister, c’est parce qu’il fonctionne auprès de fans en manque. Et puis ne nous voilons pas la face : quand on parle d’un groupe comme Mastodon, on s’attend à ce que ces fameux fonds de tiroir soit de toute façon mieux torchés que ce que 80% de la concurrence est en mesure de produire dans ses moments de créativité les plus débridés. Un hypothèse qui se confirme dès l’entame du disque : « Fallen Torches », inédit de 2019 faisant la promotion d’une tournée européenne qui n’aura jamais eu lieu, voit le meilleur groupe de sludge du monde avancer tel un bulldozer, dans une maîtrise totale de sa formule qui l’a récemment vu s’éloigner des territoires prog pour proposer quelque chose de plus concis, et d’une efficacité absolue. Mais derrière, on enchaîne sur un titre de 2012, une reprise de Feist, et on se rappelle qu’à l’époque le groupe était sur une dynamique toute autre. Et un peu plus loin, c’est à une version instrumentale d’un titre de Once More ‘Round The Sun que l’on a droit. Vous voilà donc prévenus : des choses excellentes (on pense aux versions instrumentales, qui dévoilent des titres sous un jour complètement nouveau) en côtoient d’autres plus anodines (en gros, tous les live) et, chose assez rare pour le souligner dans le chef d’un groupe comme Mastodon, on a même droit à quelques vilaines fautes de goût – franchement, combien de grammes de la meilleure weed ont été nécessaires pour que les mecs s’imaginent être pertinents sur une reprise d’un des meilleurs titres de Flamings Lips, en l’occurrence « A Spoonful Weighs A Ton ». Bref, avec Medium Rarities, le fan lambda est content, et avec l’argent des streams, les mecs de Mastodon auront de l’eau dans leur piscine l’été prochain, des fois qu'ils seraient toujours coincés à la maison. Franchement, que demander de plus ? Un nouvel album ? Il arrive.

Napalm Death

Throes of Joy in the Jaws of Defeatism

Albin

Les très colériques Napalm Death auraient-ils viré leur cuti, après presque 40 ans de carrière, au profit d’un post-punk un peu moins vindicatif ? C’est ce que laissait présager un premier single « Amoral » sorti en éclaireur et qui lorgnait de manière très étonnante sur un répertoire plus proche de celui de Killing Joke que celui des étalons habituels du death metal. Rebelote quelques semaines plus tard avec la parution de « A Bellyful of Salt and Spleen » : une pépite downtempo au discours toujours aussi acéré, comme l’illustre le clip superbement dérangeant qui l’accompagne. Au moment d’écouter pour la première fois l’album complet, on s’attendait donc à une rage contenue. Grossière erreur.

Dès les premières secondes du titre d’ouverture « Fuck the Factoid », c’est bien du Napalm Death pur jus qui vous saute à la gorge : riffs en acier trempé, blast beats épileptiques et hurlements baveux de Barney Greenway. Comme souvent avec Napalm Death, l’album s’aborde comme une succession de coups de boule assénés alors qu’une paire de paluches vous maintient fermement l’encolure. Sans commettre le moindre faux pas, la bande de Birmingham brandit fièrement son totem d’autorité incontestable dans le domaine du metal extrême, mais se permet quelques digressions sur des terrains parfois plus apaisés, voire plus mélodiques qu’à l’accoutumée, et pousse même la chansonnette dans la langue de Voltaire sur « Joie de ne pas vivre ». On est donc ici très très loin des saillies grindcore des origines qui voyaient Napalm Death parfois pondre des morceaux de quelques secondes seulement.

Néanmoins, le groupe emmené par Shane Embury s’en sort avec les honneurs et pond ici son album le plus varié à ce jour : un disque qui rappelle que leur death metal est avant tout une variation super énervée du pun hardcore du début des années 80. Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si l’album propose en bonus track un reprise de « White Kross », un classique de Sonic Youth. Parmi les nombreuses pépites que contient ce disque, on épinglera l’enchaînement « Invigorating Clutch » / « Zero Gravitas Chamber », qui condense en 2 titres ce que Napalm Death a fait de mieux au cours des 15 dernières années : intro monacale, riffs punk surpuissants et refrains death enragés appuyés par une batterie de 9 tonnes.

Uniform

Shame

Alex

L’avantage d'Uniform, c’est que c'est un groupe qui se tourne rarement les pouces. Rien que ces deux dernières années, les Américains se sont montrés plus prolifiques que jaja, avec rien de moins que 4 sorties dont le très bon The Long Walk (2018), puis trois collaborations avec The Body avant un album live sorti cette année, Live at the End of the World. Allez savoir si c’est d’avoir régulièrement côtoyé le duo expérimental de Rhode Island qui a décuplé leur productivité, toujours est-il qu’avec ce Shame sur Sacred Bones, les New-Yorkais reviennent inspirés comme on les a rarement vu, sans crainte de pousser leur indus dans de nouveaux retranchements.

Dès les premiers instants de “Delco” jusqu’au cataclysmique “I am The Cancer”, le groupe reste menaçant et sa proposition intense. Cet écorché vif de Michael Berdan assène toujours ses hurlements sauvages avec cette distance qui permet aux guitares et éléments électroniques de rester au premier plan. Mais c’est surtout l’addition du batteur Mike Sharp à la place d’une boîte à rythmes qui fait la différence tant son jeu épileptique ajoute du relief aux compositions et permet au désormais trio de prendre une direction inattendue mais non moins bandante. Ici, le groupe abandonne ce côté parfois binaire qui teintait certaines de ses précédentes compositions pour proposer une démarche artistique beaucoup plus large, entre punk, noise métallique, black metal, hardcore et indus nihiliste. Par ses contrepieds et changements de rythmes, Shame est épatant de bout en bout, malgré la quasi absence de mélodies dans ce vortex de sombritude. La musique oppressante et parfois difficile à appréhender mais la proposition reste de qualité, permettant ainsi à Uniform d’accoucher, toujours dans la douleur, de son œuvre la plus aboutie.

 

Heathen

Empire of the Blind

Jeff

C’est incontestable : Metallica est le plus grand groupe de thrash de la planète. Tout aussi incontestable : Metallica est aujourd'hui le groupe le moins passionnant du thrash. Il se murmure même qu’un exemplaire de leur infâme Lulu a été enfermé dans une capsule envoyée dans l’espace, dans le but d’éviter un jour une invasion extraterrestre. Et tandis que la bande à James Hetfield passe son temps dans des guerres d’égo et de quéquette avec Coldplay ou U2 pour savoir qui va faire le plus de fric en tournée (leur WorldWired Tour a quand même généré la coquette somme de 400 millions de dollars), tous les groupes avec qui ils ont grandi dans la Bay Area des années 80 continuent de mener des carrières certes un peu plus discrètes, mais autrement plus recommandables, à l’image des géants de Testament qui sortaient il y a quelques mois à peine un Titans of Creation tout à fait digne de votre amour. Autre groupe important, pour ne pas dire essentiel, Heathen a fait son retour en septembre dernier sur Nuclear Blast avec Empire of the Blind, son premier album en onze ans. Son petit manuel du parfait thrasheur, Lee Altus le connaît bien, et on peut même dire qu’avec Heathen et Exodus, l’autre groupe dont il est un membre permanent, il en a certainement écrit quelques pages. La maîtrise des codes du thrash dans sa forme la plus classique est donc parfaite, comme sa science du riff ravageur qui sert de tremplin à un refrain archi-mélodique : si celles et ceux qui attendent autre chose du thrash ont depuis longtemps tourné leur attention vers des groupes comme Havok, Vektor ou Warbringer, il reste un public énorme en demande de ce « classic Bay Area sound », et on peut donc considérer Empire of the Blind comme du fan service de toute première bourre, porté par quelques singles impeccables, à commencer par la plage-titre, ou l’épique « Sun in My Hand ». Du coup, dans un monde où on a de moins en moins de certitudes, on peut imaginer que ce genre de disque trouvera aisément son public.

Year of the Knife

Internal Incarceration

Alex

Enième sensation de la scène metal / hardcore US, Year Of The Knife présente toutes les caractéristiques d’un groupe dont on attend énormément : une bonne dose de hype auprès des HxC kids, une signature sur la très cool maison Pure Noise (Drug Church, Knocked Loose, SeeYouSpaceCowboy), une réputation live assez intéressante (on confirme) et la production d’un premier album confiée au gourou Kurt Ballou (Converge). Après un Ultimate Agression sorti début 2019 et qui regroupait ses précédents EP, le groupe du Delaware plonge enfin dans la grande profondeur avec un premier disque dont on attendait beaucoup, trop peut-être. Et pour cause, ce Internal Incarceration, loin d’être dénué de qualités, n’est pas la grosse claque attendue.

Le disque, sur lequel on perçoit plus d’influences death que d’habitude, se contente trop souvent de délivrer un metal hardcore avec juste ce qu'il faut de straight egde et dont on sent qu’il est inspiré des formations qui ont fait les beaux jours du genre dans les années 2000, sans toutefois y amener la touche plus moderne qu’on est en droit d’attendre d’une formation qui ne compte même pas 5 ans d’existence. Si on peut tomber sur quelques très bons titres (“Virtual Narcotic”, “Final Tears” ou le brûlant morceau-titre) et que certains break ne manquent pas de virulence, les écueils se multiplient aussi, la faute peut-être à un chant trop monotone ou à un manque criant de subtilité dans les structures. Et si on ne se fait pas trop de doutes quant à l’efficacité de ce premier LP sur scène, il va falloir que Year Of The Knife fasse preuve de plus d’audace, au risque d’être déjà dépassé par tous ces jeunes qui n’en veulent et dont les premières livraisons se révèlent moins inégales.

Zeal & Ardor

Wake of a Nation

Quentin

L'approche de Zeal & Ardor s'inspire d'une vision alternative de l'Histoire et s'appuie sur 2 constats. Premièrement, le Christianisme a été imposé aux esclaves américains, religion qui a également été imposée à tous les habitants de la Norvège. Deuxièmement, le black metal des années 90 s'est développé comme une réaction face au monothéisme. La question qui habite Manuel Gagneux, la tête pensante du groupe suisse, c'est de savoir ce qui se serait passé si les esclaves américains s'étaient rebellé de la même façon que les Norvégiens. Ou pour le dire autrement : à quoi ressemblerait un spiritualisme satanique ? La réponse, il faut la chercher dans le gospel infusé de black metal qu'il produit.

Deux ans après le très solide Stranger Fruit, le groupe livre aujourd'hui Wake Of A Nation. Cinq titres seulement sur cet EP, mais la même intensité que sur les efforts précédents. Inspiré par une période où le racisme institutionnel, la brutalité policière et l'oppression sont plus présents (ou plutôt visibles) que jamais, le groupe livre ici un témoignage poignant en actualisant son propos. Il serait dur de croire que le titre de l'EP n'est pas un grand majeur tendu au film révisionniste Birth of a Nation et à ce qu'il a engendré. Quant à la pochette, elle symbolise les matraques policières, et le titre "I Can't Breathe" sample les enregistrements de la mort de George Floyd. Bref, autant de témoins de l'implication de Zeal & Ardor dans un combat qui dure depuis trop longtemps maintenant.

Musicalement, Wake Of A Nation présente autant de diversité que les deux albums précédents. Alors que "Tuskegee" ou "Trust No One" continuent de marier les sonorités qui ont fait la renommée de Z&A, cette sortie s'appuie plus largement sur les éléments gospel et moins sur les influences métal. Là où il aurait été facile pour le groupe de faire passer son message en le hurlant, Manuel Gagneux y ajoute de la sincérité en exprimant ses idées dans un style plus traditionnel. En dépit de l'époque qui voit naître cet EP, on se doit de saluer un groupe qui est passé en quelques années du statut de nouveauté excitante à celui de véritable tueur sur qui compter.

Panzerfaust

The Suns of Perdition – Chapter II: Render unto Eden

Jeff

L’année dernière, Panzerfaust explosait dans les sphères black metal : jusque-là un honnête petit groupe perdu dans la grande mare aux gargouilles, la formation canadienne (dont le nom est aussi celui d’un album de la légende norvégienne Darkthrone), entamait une trilogie dont le premier chapitre, The Suns of Perdition - Chapter I: War, Horrid War, ambitionnait de passer à la moulinette black metal quelques une des épisodes les plus sombres du siècle dernier. Rien sur le succès de Nickelback ou sur l'arbitrage insensé de monsieur Röthlisberger lors d'un Belgique - Allemagne de sinistre mémoire à la Coupe du Monde 1994, mais plutôt l’évocation de moments peu glorieux pour l’image – déjà pas très reluisante – de la race humaine comme la bataille de Stalingrad. L’album était court, mais la claque n’en restait pas moins de taille.

Nos joues encore endolories, le groupe qui préfère pisser sur les églises plutôt que les brûler revient avec le second volet de sa trilogie, et le moins que l’on puisse dire, c’est que vous allez pouvoir ressortir votre tube de pommade à l’Arnica, parce que ce The Suns of Perdition – Chapter II: Render unto Eden maintient le niveau de qualité exceptionnel affiché sur le premier volet. Ajoutant ci et là quelques éléments de death ainsi que des passages plus éthérés du meilleur effet, Panzerfaust continue d’avancer à marche forcée, s’appliquant à broyer le peu de bonne humeur et d’espoir qu’ils nous restent en cette année 2020 avec une abnégation bluffante, jouant sur les cadences et les ambiances avec une aisance propre aux meilleures formations du genre, dont certaines doivent jalouser les performances vocales du bien-nommé Goliath. Et pour couronner le tout, le disque est sorti sur le label teuton Eisenwald qui, quelques mois plus tôt, nous gratifiait de l’énorme Bloem des Néerlandais de Fluisteraars, qui restera comme l’une des claques atmospheric black metal de 2020. Strike.

R.I.P.

Dead End

Jeff

Vous vous êtes déjà demandé à quoi ressemblerait un petit weekend festif organisé par Josh Homme dans son Rancho de la Luna, et auquel il aurait convié Ozzy et Lemmy ? Nous oui, et on se dit qu’outre les quantités astronomiques de Southern Comfort et de psychotropes en tous genres, il serait ressorti de cette rencontre un disque qui ressemblerait fort à celui que vient de nous pondre R.I.P., groupe de très gros consommateurs de weed basés à Portland, et qui se revendiquent du street doom – une appellation un peu bidon pour dire que sur un ADN doom viennent se greffer des éléments de stoner et de heavy. Le petit plus de leur formule ? Là où pas mal de formations étiquetées doom s’imposent des cadences que l’on qualifiera de pachydermiques, R.I.P. préfère la jouer « pedal to the metal », à l’image du vicieux « Nightmare » ou d’un premier titre absolument imparable, digne des meilleurs moments de Kyuss ou du Rated R des Queens of the Stone Age. Dead End, c’est une grosse trentaine de minutes qui défilent à tombeau ouvert, n'attendant qu'une chose : se prendre le mur, avec le sourire qui plus est. C’est une musique jouée dans la joie et la bonne humeur malgré certains côtés un peu patibulaires, et c’est surtout une immense bouffée d’air frais à une époque où le mot ‘fête’ a disparu de notre vocabulaire pour une période indéfinie. Car oui, il est salutaire et nécessaire de s’imposer la consommation régulière de disques qui rappellent qu’au bout du tunnel, il y a un vaccin ou une immunité de groupe, et surtout la perspective de minasses intergalactiques, avec pour bande-son des disques comme Dead End.

Ghostemane

Anti-Icon

Alex

Détrompez-vous si vous pensez que Ghostemane n’a pas sa place ici. Ancien guitariste au sein d’un groupe de metal, Eric Whitney de son vrai nom s’est depuis 2014 reconverti dans ce rap jeu en se rapprochant d’artistes comme SpaceGhostPurpp ou la GothBoiClique de feu Lil Peep, tout en n’oubliant pas de régulièrement mentionner son amour pour Bathory, Mayhem et la scène hardcore de New York. Enfant de la génération Soundcloud, le Floridien multiplie depuis plusieurs années les EP et mixtapes dans un style qui lui est propre, un mélange entre instrus traps et sonorités proches du métal et de l’indus.

Quand on aborde son trapcore (ça dit bien ce que ça veut dire), l’aspect horrifique très Marilyn Manson est souvent riche mais le fond parfois plus bancal. Quoi qu’il en soit, sur ce nouvel album studio et malgré ses efforts répétés dans la presse pour affirmer le contraire, Ghostemane ne change absolument rien à la formule. Avec des thèmes toujours centrés autour de la dépression, la mort ou le nihilisme, le jeune goule et son flow criard n’échappent pas à certaines grosses ficèles, bien renforcés par des productions un peu bâtardes dans lesquels on croise tour à tour les $uicideBoy$, Nine Inch Nails, la Three Six Mafia ou encore Code Orange avec qui il a déjà pu tourner dans le passé. Si Ghostemane délivre ici l’album le plus metal de sa discographie et qu’il s’est pour l’occasion entouré de musiciens issus de la scène hardcore, le résultat final se révèle proportionnellement plus indigeste qu’appréciable malgré une ambiance plutôt singulière pour le milieu du hip-hop. Des passages limite neo-metal tout mous du genou ou des ajouts de saturation électronique, on ne retiendra pas grand chose si ce n’est quelques rares instants de turn-up qui nous font penser que la musique de Ghostemane est finalement bien meilleure quand elle ne cherche pas à tout prix à nous montrer l’étendue de ses influences.

Plague Years

Circle of Darkness

Jeff

Un peu plus haut, on vous parlait du thrash bien propre sur lui (mais pas décati) de Heathen, plus prévisible dans son interprétation qu’un missionnaire paresseux chez un coup au bord de la rupture. On évoquait également quelques noms incarnant une nouvelle génération de groupes voyant un peu plus loin que le bout de leurs classiques, et on peut sans trop se tromper affirmer que Plague Years peut s’ajouter à cette catégorie de rookies plus ambitieux qu’un jeune trader de chez Goldman Sachs. On peut également dire qu’après un EP remarqué et remarquable (Unholy Infestation), le groupe de Détroit a fait l’objet de beaucoup d’attention, jusqu’à signer sur eOne, poids lourd du divertissement dont la division « heavy » compte en son sein des gens comme High on Fire ou Toxic Holocaust.

Il faut dire que le produit est alléchant dans sa capacité à plaire à toutes les grandes chapelles du thrash, le groupe restant fidèles aux préceptes d’illustres anciens, Slayer et Sepultura en tête, tout en parlant aux nombreux amateurs de crossover en incluant des éléments de hardcore, et qui feront de Plague Years un successeur tout trouvé à Power Trip, dont on imagine mal qu’ils survivront à la disparition tragique de leur chanteur Riley Gale en aout dernier.

Tout cela est bien beau sur papier, mais c’est d’autant plus chouette qu’à l’écoute, ça passe comme une lettre à la poste, à condition d’aimer se prendre de la violence pure en intraveineuse et écouter un mec qui en veut à la terre entière beugler des histoires qui font passer l’actuelle pandémie pour un épisode de Peppa Pig. Pas forcément le disque qui va vous réconcilier avec vos semblables, mais certainement l’une des toutes bonnes réalisations de 2020 dans sa catégorie.

Bell Witch / Aerian Ruin

Stygian Bough Volume 1

Albin

En 2017, Bell Witch a pondu avec Mirror Reaper un album qui marquera à jamais l’histoire du metal, amenant un genre aussi hostile que le funeral doom sur les terres plus bien plus accueillantes du shoegaze. Pour succéder à ce disque déjà passé au statut de classique parmi les classiques, le duo de Seattle s’est embarqué dans une collaboration avec Aerian Ruin, projet dark folk du singer songwriter Erik Moggridge. Bien qu’elles présentent une approche sonore totalement différentes, les deux entités partagent un sens inné pour dépeindre des climats de désolation totale et alimenter une musique plus dépressive qu'un G.I. de retour d'Afghanistan.

Sans grande surprise, l’alchimie mortuaire fonctionne à la perfection. Aerial Ruin, avec sa guitare acoustique à l’encéphalogramme plat et ses parties vocales aussi entraînantes que le crissement des portes du crématorium lorsqu’on est allé dire au revoir à ce pote qui s’est pendu sans prévenir, érige une rampe de lancement magistrale pour laisser Bell Witch enfoncer ses rythmiques au BPM négatif comme on scellerait des clous de cercueil. Somptueuse marche funèbre, l’album se subit en un enchaînement rituel de cinq pièces qui forcent à courber les épaules, pencher la tête et changer à jamais son regard sur le meilleur sort à réserver à ces 3 mètres de corde qui traînent à la cave. Un disque à éloigner de tout individu présentant le moindre trouble neurasthénique.